Machuca

Machuca es una película chilena escrita y dirigida por Andrés Wood y protagonizada por Matías Quer (Gonzalo Infante), Manuela Martelli (Silvana), Ariel Mateluna (Pedro Machuca), y Ernesto Malbrán (Father McEnroe). Se estrenó en el año 2004. Es la primera película chilena en ser grabada en el formato de alta definición.La historia transcurre en Santiago en 1973 y tiene como base un experimento real hecho en la época del gobierno socialista de Salvador Allende en el Saint George's College: Gonzalo Infante (Matías Quer), un niño de once años, estudia en el colegio Saint Patricks (la película no fue rodada en donde realmente se realizó el experimento educativo, sino en el Internado Nacional Barros Arana), un reputado colegio religioso, el director es el padre McEnroe , en el que estudian niños provenientes de las clases medias y altas de Santiago. El padre McEnroe trae a este colegio un nuevo grupo de niños, todos ellos de clase baja, con el fin de educarlos sin discriminarlos y para que aprendan a respetarse mutuamente los niños de clase alta y los de clase baja.

 Tras algunos hechos superados y travesuras infantiles nace la amistad entre Gonzalo y Machuca (Ariel Mateluna). Ambos niños visitan sus respectivas viviendas en diferentes ocasiones, y conocen a sus respectivas familias y las realidades internas que ambos viven desde sus clases sociales, pero el enfrentamiento social en aquella época hacen imposible el éxito del experimento.(filmaffinity).

 La forma en que se cuenta la historia tiene una claridad que hace que sea de fácil entendimiento, este es uno de los puntos buenos de la película chilena. No es simplista (aunque muchas veces usa la simplicidad para hablar de los "grandes" temas). Machuca cuenta una historia como cualquier otra, la historia de una amistad, que al principio tiene muchas barreras peor que poco a poco se convierte en una amistad sólida y algo singular. Los protagonistas se van acercando y van conociendo la vida del otro, Gonzalo se sumeje en un nuevo mundo en dónde descubre nuevos sentimientos y vive nuevas experiencias. La historia se centra en la amistad de los tres chicos, aunque cuando se muestra la situación de los adultos ese mundo prevalece, se nota lo político, las manifestaciones etc. pero pese a esto el autor sabe muy bien que es lo que quiere contar y se vuelve a centrar en su historia de Pedro,Gonzalo y Silvana.

 Lo que más llama la atención de la película es que la historia se cuenta a partir de los chicos y no desde ellos. Todo el tema político nunca se cuenta desde el punto de vista de los jóvenes, si no que simplemente lo vemos pasar frente a nuestros ojos. La historia transcurre y ellos van notando los cambios que llegarán, y de manera despiadada, como ocurre en la realidad, de un momento a otro. El final resonará como un amargo paso a la adultez, temprano, inesperado y brutal. Y si las cosas no se muestran tan crudas es porque el director opta por un tono suave de decir las cosas, lo que se resume en canciones, en situaciones ligeras y en un velo que muestre las cosas con un tono de romanticismo.

 Una gran película que vale la pena disfrutar un viernes en la noche o cualquier día que queramos apreciar más el cine latinoamericano y disfrutar de una buena historia.

The Walking Dead 5 ta Temporada

Todos los fanáticos de la serie aclamada de AMC The Walking Dead  deben estar que no pueden de la emoción por el lanzamiento de la quinta temporada.

La serie que sigue al comic escrito por Robert Kirkman, Tony Moore y Charlare Adlard, y que fue desarrollado para la televisión por Frank Darabont, aunque no al pie de  la letra ya que podemos ver que hay personajes en  la serie que en el comic no existen, otros que son muy distintos y otros que tienen mucha más relevancia que en la pantalla chica.

Sin embargo, se han escuchado rumores que desde la quinta temporada la serie va a estar mucho más cerca al relato real  del comic, se buscará ajustarse al material original.

The Walking Dead ha batido todos los récords de la emisión por cable con la premiere de su quinta temporada, No Sanctuary . Se promete dar a los televidentes muchas respuestas desde el primer capítulo ya que en la última temporada se dejaron muchas historias abiertas y un ambiente bastante tenso.

La quinta temporada empieza cuando Rick y todo su grupo se encuentran atrapados en Terminus con otro grupo que dicen tener una esperanza de cura, y, en la búsqueda por encontrar un lugar seguro y permanente al cual llamar hogar, los personajes se preguntarán después de todo lo que han visto, lo que han hecho, lo que han perdido sin importar que tocaba hacer ¿En qué se han convertido?

Definitivamente tienen que ver la última temporada que  contará con nuevos personajes, nuevas locaciones. La serie nos trae muchas mas  sorpresas, como una nueva serie que ocurrirá en  el mismo universo zombie y que contará historias que se han dejado inconclusas, además de  la ya confirmada sexta temporada.

"The Drop"

"The Drop"


El guión hecho por Dennis Lehance y dirigida por Michaël R. Rotam. The drop es una pleícula que cuenta una historia de Brooklyn, tansladando al espectador a otro ambiente de New York que no es Times Square y todo su ruido, si no a esa baja vida que se vive en la ciudad, una historia criminal. Lo que hace la película más interesante son las interpretaciones de los actores.

En Brooklyn, un solitario camarero rescata a un cachorro de un cubo de basura. Sus problemas empiezan cuando aparece el dueño del animal, un hombre con problemas mentales que, además, está involucrado en una conspiración criminal que se planea en el bar en el que trabaja el camarero. (FILMAFFINITY)

Tom Hardy protagoniza el filme, un gran actor que nos encanta con los matices que le da a todos sus personajes, la increíble interpretación que hace encarnando al personaje Bob Saginowski como un personaje tranquilo que se alejó de sus días de criminal para ahora verse otra vez involucrado en un gran problema, es fabulosa.

Es una historia de Brooklyn contada desde la perspectiva de estos personajes. que con una actuación muy natural nos muestran la vida dura, llena de problemas, dinero, policías y malos negocios que hay en algunas calles de esta ciudad.

El drama criminal que maneja la película nos hace centrarnos mucho en los diálogos y en las interpretaciones de los actores. También aumenta el drama la atmósfera creada por el director para mostrar todo este ambiente de crimen urbano que nos deja esperando frente a la pantalla que va a pasar,

The Drop es un película que ale la pena ver y disfrutar de sus grandes interpretaciones, en cuanto a la historia, muchas cosas se ven venir pero se compensa con atmósferas agobiantes y con sus increíbles personajes.

"Un viaje de diez metros"

"Un viaje de diez metros"

Un Viaje de diez metros es una película del reconocido director sueco Lasse Halstrom, adapta una novela nominada a Best Seller y la lleva a la pantalla grande.

El problema de la película es que el tema no es novedoso, una vez más nos encontramos con el tema de los chefs y la cocina que está muy repetido tanto en la televisión(Top Chef) como en el cine, sin embargo la película no deja de aportarnos nuevas cosas en su narrativa.

Los Kadam, una familia india con Papa (Om Puri) a la cabeza, se traslada al sur de Francia, y allí deciden abrir un restaurante enfrente de un lujoso restaurante francés de alta cocina con estrellas Michelín, regentado por la snob Madame Mallory (Helen Mirren). (FILMAFFINITY)

Vemos otra vez la historia de cómo un personaje que viene de otra cultura quiere sobresalir en una ciudad de Francia muy diferente de donde viene, y cómo un habitante de esta ciudad se convierte en su competencia y le declara la guerra a este nuevo habitante.

Lo interesante de esta película es cómo manejan esta pelea entre Madame Mallory y Papa, una historia llena de dramatismo, historias de amor, y con un toque de humor. Todo se centra en la batalla y en cómo Madame Mallory al final se da cuenta del talento de Papa y lo convierte en su protegido.

La ambientación de la película es increíble, los platos que aparecen en pantalla te hacen sentir mil sensaciones entre esas hambre, por eso, es mejor ir a ver la película con el estómago lleno.

Otra cosa que nos aporta la película, aunque sea un tema repetitivo es el significado que le da a la comida. La comida son recuerdos, la comida te identifica y te recuerda a tu hogar, de donde vienes y cuáles son tus costumbres.

Es una historia divertida y seguro te tendrá pegado a la pantalla deleitándote con los platos y con las historias de los personajes, podrás ver su transformación, en particular de madame Mallory que no deja de darnos sorpresas sobre su personalidad.

Lo malo como lo dije, es que el final es muy predecible y le falta un toque de originalidad respecto al tema.

Una película recomendada para pasar un rato agradable,  para conocer platos exquisitos y divertirse con la batalla entre los dos personajes principales y sus restaurantes.

The colors of the Mountain

It is drama film directed by Carlos César Arbelaez.

The film is a shocking history about three children who try to recover a soccer ball that had fallen into a minefield. At the same time, the film also tell us about the turbulent lives of the children’s fathers,  the atrocities of the murderers bands that surround them, the scared and solitary teachers that try to make the children's life happier. It talks about the Colombia’s violence, the violence that displaces: the guerrilla, the paramilitary and others illegal bands. It documents the Colombian’s horror, filmed in the lost mountains of Antioquia.

The way the film was done has the intention that the spectator feels really the shocking situation where the protagonists are in. it is very interesting the point of view the movie was done, it takes the children’s point of view. Without any dude, is the most innocence way of appreciate the world, from the point of view of a child In the development of the movie the children weren’t conscience of what was happening, of the situation they was facing and their only distractions were the school and soccer, when their soccer ball fell in a minefield the only they think is in how to get the ball out to play soccer.

It is a very realistic film, without tricks of edition. The realistic way the film express make us feel inside it, see how the situation of Colombia is, what a people have to live while others enjoy.

In the putting into scene, the director is focused on give us a look from the children perspective. The violence of the film is not explicit it is implicit, we can see there is not almost music in the film, but, when there is music it is very soulful like at the end when Manuel is leaving of his house with his mother and his little brother. The children's look of sadness fits well with the music, creating an amazing emotion on the spectator that is perfect to me.

A characteristic that I found very important to mention is  how the director uses symbolism to represent the implicit violence, every time there is a violence scene like it is from the point of view of a child, when they arrived for example on the part that Manuel gets into the house and sees that everything is destroy and his father is gone. The violence has past, and just the traces are found. However, there is a scene where they show blood, but at the time the children were not present.

It is very interesting how the director place with the coloring on the movie; in the beginning the first Image that the spectator see is Manuel’s house with the coloring and the light low, and all the sudden the scene bighted, the bright colors are used in almost all the course of the movie until the last scene; when they are running away for the violence, the image takes low and cold colors. The director wants to convey the sadness and desolation the children are living in, the same happened when the film stars.

The film reflects the Colombia’s displacement of population for violence reasons, it stills being a serious problem of human rights, with sociodemografic implications in the country, it affects particularly to women and children that are from rural zones of the national territory in a high percent. They are forced to run away the region where the power is confused with weapon, the complicity of the impunity and the civil population’s impotent. Adding fear to poverty, this Colombian people are looking for a remote place far away of the responsible of murderers,   disappearances, kidnappings, threats and terror.

The displaced by violence are growing and multiply around the country like if they were sentenced to silence and exile.

The film has a realism that doesn’t leave anyone indifferent. But, the suspense that generates in some scenes the movie, for example when Manuel, Poca Luz and Julian try to get back a soccer ball from a mined field, is a big experience.

When the spectator is really connected with the movie until he is feeling inside it and the film generates feelings in the spectator, it is the moment when we can say that there has done a very good job.

L’artiste

It is a drama, comedy, romance film directed by Michel Hazanavicius.

The film is about the Hollywood situation in 1927 from the point of view of a silent film star. With the arrival of sonorous film George Valentin take the risk of his career to be forgotten. On the other hand, the actress Peppy Miller who starts as an extra in a movie of Valentin, she became in a sonorous film star. It is the history about two intertwined destinies.

The way of the movie was done has the intention of the viewer feel really what a silent film actor felt at that time. The black and white color and the use of the black screen with the dialogues are crucial for the message that the movie wants to convey. Even though, the dialogues were avoided as possible, because in that time they were not used and because they pretend to seem like the old moves in black and white.

The sound is almost nil in the movie, just when the protagonist was involve with the sound or according to his feelings the sound appears. It is a very personal view of the protagonist, a silent film actor who is facing with the new sound productions: “the future” as they used to call it. So, if for him there was not sound for the spectator neither.  I found this very interesting and creative. In a moment of the movie we can see clearly the use of the sound when in a Valentin’s dream everything around him has a sound: the environment, the other people, except him, he had no voice.

We can see that music plays a role very important in that sort of movie. Therefore, it helps us to understand the feeling of the character of a deeper way. The character’s personality describes him as a petulant, cocky and egocentric person.

A characteristic that I found very important to mention is the use of the symbolism in the film and the way of the objects are related according to the situation. It is like as all the objects reveal the same feeling, for example at the scene that Valentin is watching his movie, and he appears sinking in the sand as a representation of what happens in his real life. As in other scene which Valentin show us his desperate and confusion face and it is alternated with images of statues making the same gesture, it symbolizes his feeling.

The great end concludes with an establishing shot to place us in the space where the protagonist is in, that is his life, where he always wanted to be, his passion, which he cannot live without it, that is the cinema. On the last scene the sound is incorporated when Valentin is already part of the sonorous world, now, he can hear himself.

Now we understand why the film has so many nominations and it was the winner of three Golden Globes.  It is a great film, representing one of the most significant moment for the cinema in Hollywood, with an excellent cast.  

It is a different film for the 21 century because it is leading us of the hand to feel that we are in other time, the time of the silent movies.

"Análisis Banda Sonora Tron: Legacy"

La música en esta película es muy importante y tiene un papel de peso en el momento de expresar y darle más identidad y emoción a una determina escena. La música juega con los sonidos de la película, ya que al ser una película de videojuegos hay muchos sonidos importantes que el director quiso resaltar al igual que la música.

La música a veces para, para dar paso a los diálogos, en sí todo el soundtrack se compone de 22 piezas cada una encaja en su momento.

La música tiene sincronización con algunos movimientos de los personajes y diálogos, al igual que le da suspenso a la película en los momentos de expectativa. Como por ejemplo cuando Sam está robando información de la empresa.

La música es más incidente en los momentos de acción o emotivos (aunque con menos protagonismo), en los diálogos muchas veces la música se suspende a menos que haya alguna intriga, que esté pasando un acción en paralelo y la música no esté con el diálogo ó que sea algo emotivo. En el último caso de los diálogos la música se pone ya al final de la conversación, para terminarla y seguir con una acción.

La ausencia de música también ocurre cuando quieren destacar otros sonidos, como por ejemplo cuando Sam entra a la tienda, además de haber música diegética provenientes de las máquinas.

El CUE de la carrera de motos  guarda relación con los otros temas musicales de la red y el tema principal de la red (no el central) tiene tono de batalla. La música va con la acción pero los sonidos del videojuego también predominan.

Cada vez que hay un cambio de acción o algo cambia la escena, hay un corte en la música y casi siempre empieza otro track. Como por ejemplo con están en la fiesta y hay música diegética mientras la pelea y después tan pronto toca el suelo Flynn se corta la música y empieza un nuevo CUE.

http://www.youtube.com/watch?v=Ix1KI6HC7L4

Casi siempre las escenas melancólicas de padre e hijo usan el tema central, pero sólo con piano y más lento.

Tratamiento elemento musicales: 

La banda sonora acompaña de forma ejemplar cada situación, aportando emoción, épica o simple ambientación según se requiere.

Mantiene un ritmo, tiene pautas de repeticiones e intervalos de sonidos fuertes y débiles. Tiene distribución de sonidos y silencios de distinta duración.

El ritmo siempre mantiene la melodía coherente de cada track, dotándolo de identidad y significado propio en el entorno sonoro que se encuentre. Algunas melodías tienen significados emocionales que en conjunto con el ritmo crean una sensación y dotan de una personalidad a la música y a la imagen, y creando al fin de cuentas la armonía.

TRON: LEGACY pertenece al género de ciencia ficción. Aunque al género casi nunca se le asocia un tipo especial de música porque casi todas usan música orquestal convencional. Pero, en el caso del género de ciencia ficción y fantasía está  frecuentemente de la mano de la música electrónica, obviamente no deja atrás la música orquestal como se puede ver en TRON y en otras referencias de películas del mismo género como son MATRIX y BLADE RUNNER.

Las corrientes de música agrupadas cerca al género de ciencia ficción son: la música cósmica, el tecno original y la menos frecuente el Rock espacial.  También cabe resaltar que Hugo Gernsback, el inventor del término "Ciencia-Ficción", trabajaba en electrónica musical y llegó a diseñar un instrumento musical electrónico controlado por teclado. En esta clase de música encontramos sonidos que no se encuentran en la vida real, sonidos irreales, creando gran infinidad de estilos que aunque a veces sean ya convencionales, siguen funcionando.

Hoy en día esta combinación de música orquestal con música electrónica no solamente su usa ara el género de ciencia ficción, sino también para algunas películas de terror, para documentales y muchos temas más.

http://www.youtube.com/watch?v=3VgNoKc_Gdw  Blade Runner

http://www.youtube.com/watch?v=pFS4zYWxzNA  Matrix

“El colombian Dream”

La edición, el ritmo de la narración que nos muestra El colombian dream es una nueva apuesta a utilizar otro tipo de tomas, secuencias, etc.. otro tipo de respiración de la historia. Aljure deforma la realidad hasta llevarla a un surrealismo, el surrealismo de las pepas, de lo psicodélico. El ritmo hacen sentir al espectador en otro estado, en mi opinión es una experiencia visual innovadora del “nuevo cine colombiano”. Sin embargo, se centra mucho en afinar esa estética olvidándose un poco del contenido, no es una nueva historia, es la más típica de todo el esquema colombiano, sólo hubiera necesitado una mejor historia para ser una gran película en toda su palabra.

El colombian Dream cuenta la historia de los gemelos, unos jóvenes que se encuentran de vacaciones en un balneario cercano a Bogotá, que en su afán de conseguir dinero fácil empiezan a vender pastillas alucinógenas entre los clientes de "El colombian dream", el bar de su familia. Uno de sus proveedores les da a guardar una gran cantidad de “mercancía” que ha robado a sus socios, pero muere producto de una sobredosis después de la entrega… Los traficantes empiezan a buscar desesperadamente sus pastillas involucrando a los gemelos, su familia y amigos en una desenfrenada persecución. (Filmaffinity)

El estilo de El colombian dream destaca un leguaje fílmico burlesco (por ejemplo las caras se enfocan de cerca con lente distorsionado; se incluyen, canciones, animaciones y otro tipo de episodios burlescos como parte de la diégesis) para mostrar la realidad que se presenta en Colombia, los problemas raciales y sexistas. La mezcla visual muestra desde el principio el tipo de estética y técnica que se va a usar a lo largo de la película, la narración en off está hecha por un hijo abortado que examina las vidas de los colombianos y se vuelve testigo de la historia. Se puede decir  que tal vez la historia sea la misma de siempre pero en vez de ser contada con un tono dramático que es como casi siempre lo hacen se cuenta desde otra perspectiva, con un tono jocoso, que sin embargo está interesada en reflexionar sobre una identidad nacional actual.

La película usa diversos tipos de representación audiovisual con varios tipos de lentes (ojo de pescado y lentes de color que remiten a una estética psicodélica), varias cámaras (incluida cámara de teléfono celular), tomas desde todos los ángulos, decenas de tipos distintos de manejo de cámara (desde el hand-held, a la cámara que se mueve como péndulo o que da vueltas), diálogos con eco, recuadros explicativos, partes de musical, comercial de televisión y videojuego. Se incluyen, también, otros tipos de técnicas como las pantallas múltiples. La insistencia en la mezcla de estéticas visuales de El Colombian Dream termina opacando la historia y haciendo que la puesta en escena ocupe el lugar más importante de la película.

Está estética nos recuerda mucho a la estética de la publicidad y del zapping televisivos que siempre estamos interrumpiendo y hay diversos estilos. Por otra partes se puede decir que el uso de esta estética hace alusión a la situación histórica actual y nos pone a sentir como los personajes sienten y ven el mundo, la Colombia caótica que hablan tanto los textos. El lenguaje del mercado que se evidencia en esta película a través de la estética del zapping y contenidos hegemónicos, representaciones problemáticas raciales y de género, entre otras. Con esto podeos concluir que El colombian dream si apuesta por una nueva estética y a pesar de que descuida un poco la historia, no deja de ser interesante y de mostrar una realidad colombiana.