Todos los fanáticos de la
serie aclamada de AMC The Walking Dead deben estar que no pueden de la
emoción por el lanzamiento de la quinta temporada.
La serie que sigue al comic
escrito por Robert Kirkman,Tony MooreyCharlare Adlard,
y que fue desarrollado para la televisión porFrank Darabont,
aunque no al pie de la letra ya que
podemos ver que hay personajes en la
serie que en el comic no existen, otros que son muy distintos y otros que
tienen mucha más relevancia que en la pantalla chica.
Sin embargo, se han escuchado rumores que desde
la quinta temporada la serie va a estar mucho más cerca al relato real del comic, se buscará ajustarse al material
original.
The Walking Deadha batido todos los récords de la emisión por
cable con la premiere de su quinta temporada,No Sanctuary . Se
promete dar a los televidentes muchas respuestas desde el primer capítulo ya
que en la última temporada se dejaron muchas historias abiertas y un ambiente
bastante tenso.
La quinta temporada empieza cuando Rick y todo
su grupo se encuentran atrapados en Terminus con otro grupo que dicen tener una
esperanza de cura, y, en la búsqueda por encontrar un lugar seguro y permanente
al cual llamar hogar, los personajes se preguntarán después de todo lo que han
visto, lo que han hecho, lo que han perdido sin importar que tocaba hacer ¿En qué
se han convertido?
Definitivamente tienen que ver la última
temporada que contará con nuevos
personajes, nuevas locaciones. La serie nos trae muchas mas sorpresas, como una nueva serie
que ocurrirá en el mismo universo zombie y que contará historias que se han dejado inconclusas, además de la ya confirmada sexta temporada.
El guión hecho por Dennis Lehance y dirigida por Michaël R. Rotam. The drop es una pleícula que cuenta una historia de Brooklyn, tansladando al espectador a otro ambiente de New York que no es Times Square y todo su ruido, si no a esa baja vida que se vive en la ciudad, una historia criminal. Lo que hace la película más interesante son las interpretaciones de los actores. En Brooklyn, un solitario camarero rescata a un cachorro de un cubo de basura. Sus problemas empiezan cuando aparece el dueño del animal, un hombre con problemas mentales que, además, está involucrado en una conspiración criminal que se planea en el bar en el que trabaja el camarero. (FILMAFFINITY)
Tom Hardy protagoniza el filme, un gran actor que nos encanta con los matices que le da a todos sus personajes, la increíble interpretación que hace encarnando al personaje Bob Saginowski como un personaje tranquilo que se alejó de sus días de criminal para ahora verse otra vez involucrado en un gran problema, es fabulosa.
Es una historia de Brooklyn contada desde la perspectiva de estos personajes. que con una actuación muy natural nos muestran la vida dura, llena de problemas, dinero, policías y malos negocios que hay en algunas calles de esta ciudad.
El drama criminal que maneja la película nos hace centrarnos mucho en los diálogos y en las interpretaciones de los actores. También aumenta el drama la atmósfera creada por el director para mostrar todo este ambiente de crimen urbano que nos deja esperando frente a la pantalla que va a pasar,
The Drop es un película que ale la pena ver y disfrutar de sus grandes interpretaciones, en cuanto a la historia, muchas cosas se ven venir pero se compensa con atmósferas agobiantes y con sus increíbles personajes.
Un Viaje de diez metros es una película del reconocido director sueco Lasse Halstrom, adapta una novela nominada a Best Seller y la lleva a la pantalla grande.
El problema de la película es que el tema no es novedoso, una vez más nos encontramos con el tema de los chefs y la cocina que está muy repetido tanto en la televisión(Top Chef) como en el cine, sin embargo la película no deja de aportarnos nuevas cosas en su narrativa.
Los Kadam, una familia india con Papa (Om Puri) a la cabeza, se traslada al sur de Francia, y allí deciden abrir un restaurante enfrente de un lujoso restaurante francés de alta cocina con estrellas Michelín, regentado por la snob Madame Mallory (Helen Mirren). (FILMAFFINITY)
Vemos otra vez la historia de cómo un personaje que viene de otra cultura quiere sobresalir en una ciudad de Francia muy diferente de donde viene, y cómo un habitante de esta ciudad se convierte en su competencia y le declara la guerra a este nuevo habitante.
Lo interesante de esta película es cómo manejan esta pelea entre Madame Mallory y Papa, una historia llena de dramatismo, historias de amor, y con un toque de humor. Todo se centra en la batalla y en cómo Madame Mallory al final se da cuenta del talento de Papa y lo convierte en su protegido.
La ambientación de la película es increíble, los platos que aparecen en pantalla te hacen sentir mil sensaciones entre esas hambre, por eso, es mejor ir a ver la película con el estómago lleno.
Otra cosa que nos aporta la película, aunque sea un tema repetitivo es el significado que le da a la comida. La comida son recuerdos, la comida te identifica y te recuerda a tu hogar, de donde vienes y cuáles son tus costumbres.
Es una historia divertida y seguro te tendrá pegado a la pantalla deleitándote con los platos y con las historias de los personajes, podrás ver su transformación, en particular de madame Mallory que no deja de darnos sorpresas sobre su personalidad.
Lo malo como lo dije, es que el final es muy predecible y le falta un toque de originalidad respecto al tema.
Una película recomendada para pasar un rato agradable, para conocer platos exquisitos y divertirse con la batalla entre los dos personajes principales y sus restaurantes.
lunes, 22 de septiembre de 2014
The colors of the Mountain
It is drama
film directed by Carlos César Arbelaez.
The film is
a shocking history about three children who try to recover a soccer ball that
had fallen into a minefield. At the same time, the film also tell us about the turbulent
lives of the children’s fathers, the
atrocities of the murderers bands that surround them, the scared and solitary teachers
that try to make the children's life happier. It talks about the Colombia’s
violence, the violence that displaces: the guerrilla, the paramilitary and
others illegal bands. It documents the Colombian’s horror, filmed in the lost
mountains of Antioquia.
The way the
film was done has the intention that the spectator feels really the shocking
situation where the protagonists are in. it is very interesting the point of
view the movie was done, it takes the children’s point of view. Without any
dude, is the most innocence way of appreciate the world, from the point of view
of a child In the development of the movie the children weren’t conscience of
what was happening, of the situation they was facing and their only
distractions were the school and soccer, when their soccer ball fell in a
minefield the only they think is in how to get the ball out to play soccer.
It is a
very realistic film, without tricks of edition. The realistic way the film
express make us feel inside it, see how the situation of Colombia is, what a
people have to live while others enjoy.
In the
putting into scene, the director is focused on give us a look from the children
perspective. The violence of the film is not explicit it is implicit, we can
see there is not almost music in the film, but, when there is music it is very
soulful like at the end when Manuel is leaving of his house with his mother and
his little brother. The children's look of sadness fits well with the music,
creating an amazing emotion on the spectator that is perfect to me.
A
characteristic that I found very important to mention is how the director uses symbolism to represent
the implicit violence, every time there is a violence scene like it is from the
point of view of a child, when they arrived for example on the part that Manuel
gets into the house and sees that everything is destroy and his father is gone.
The violence has past, and just the traces are found. However, there is a scene
where they show blood, but at the time the children were not present.
It is very
interesting how the director place with the coloring on the movie; in the
beginning the first Image that the spectator see is Manuel’s house with the
coloring and the light low, and all the sudden the scene bighted, the bright
colors are used in almost all the course of the movie until the last scene;
when they are running away for the violence, the image takes low and cold colors.
The director wants to convey the sadness and desolation the children are living
in, the same happened when the film stars.
The film
reflects the Colombia’s displacement of population for violence reasons, it
stills being a serious problem of human rights, with sociodemografic
implications in the country, it affects particularly to women and children that
are from rural zones of the national territory in a high percent. They are
forced to run away the region where the power is confused with weapon, the complicity of the impunity and the civil
population’s impotent. Adding fear to poverty, this Colombian people are
looking for a remote place far away of the responsible of murderers, disappearances, kidnappings, threatsand terror.
The
displaced by violence are growing and multiply around the country like if they
were sentenced to silence and exile.
The film
has a realism that doesn’t leave anyone indifferent. But, the suspense that
generates in some scenes the movie, for example when Manuel, Poca Luz and
Julian try to get back a soccer ball from a mined field, is a big experience.
When the
spectator is really connected with the movie until he is feeling inside it and
the film generates feelings in the spectator, it is the moment when we can say
that there has done a very good job.
L’artiste
It is a
drama, comedy, romance film directed by Michel Hazanavicius.
The film is
about the Hollywood situation in 1927 from the point of view of a silent film
star. With the arrival of sonorous film George Valentin take the risk of his
career to be forgotten. On the other hand, the actress Peppy Miller who starts
as an extra in a movie of Valentin, she became in a sonorous film star. It is
the history about two intertwined destinies.
The way of
the movie was done has the intention of the viewer feel really what a silent
film actor felt at that time. The black and white color and the use of the
black screen with the dialogues are crucial for the message that the movie wants
to convey.Even
though, the dialogues were avoided as possible, because in that time they were
not used and because they pretend to seem like the old moves in black and white.
The sound
is almost nil in the movie, just when the protagonist was involve with the
sound or according to his feelings the sound appears. It is a very personal
view of the protagonist, a silent film actor who is facing with the new sound
productions: “the future” as they used to call it. So, if for him there was not
sound for the spectator neither. I found
this very interesting and creative. In a moment of the movie we can see clearly
the use of the sound when in a Valentin’s dream everything around him has a
sound: the environment, the other people, except him, he had no voice.
We can see
that music plays a role very important in that sort of movie. Therefore, it
helps us to understand the feeling of the character of a deeper way. The
character’s personality describes him as a petulant, cocky and egocentric
person.
A
characteristic that I found very important to mention is the use of the
symbolism in the film and the way of the objects are related according to the
situation. It is like as all the objects reveal the same feeling, for example
at the scene that Valentin is watching his movie, and he appears sinking in the
sand as a representation of what happens in his real life. As in other scene
which Valentin show us his desperate and confusion face and it is alternated
with images of statues making the same gesture, it symbolizes his feeling.
The great
end concludes with an establishing shot to place us in the space where the
protagonist is in, that is his life, where he always wanted to be, his passion,
which he cannot live without it, that is the cinema. On the last scene the sound
is incorporated when Valentin is already part of the sonorous world, now, he
can hear himself.
Now we
understand why the film has so many nominations and it was the winner of three
Golden Globes. It is a great film,
representing one of the most significant moment for the cinema in Hollywood,
with an excellent cast.
It is a
different film for the 21 century because it is leading us of the hand to feel
that we are in other time, the time of the silent movies.
"Análisis Banda Sonora Tron: Legacy"
La música en esta
película es muy importante y tiene un papel de peso en el momento de expresar y
darle más identidad y emoción a una determina escena. La música juega con los
sonidos de la película, ya que al ser una película de videojuegos hay muchos
sonidos importantes que el director quiso resaltar al igual que la música.
La música a veces
para, para dar paso a los diálogos, en sí todo el soundtrack se compone de 22
piezas cada una encaja en su momento.
La música tiene
sincronización con algunos movimientos de los personajes y diálogos, al igual
que le da suspenso a la película en los momentos de expectativa. Como por
ejemplo cuando Sam está robando información de la empresa.
La música es más
incidente en los momentos de acción o emotivos (aunque con menos protagonismo),
en los diálogos muchas veces la música se suspende a menos que haya alguna
intriga, que esté pasando un acción en paralelo y la música no esté con el
diálogo ó que sea algo emotivo. En el último caso de los diálogos la música se
pone ya al final de la conversación, para terminarla y seguir con una acción.
La ausencia de
música también ocurre cuando quieren destacar otros sonidos, como por ejemplo
cuando Sam entra a la tienda, además de haber música diegética provenientes de
las máquinas.
El CUE de la
carrera de motos guarda relación con los
otros temas musicales de la red y el tema principal de la red (no el central)
tiene tono de batalla. La música va con la acción pero los sonidos del
videojuego también predominan.
Cada vez que hay un
cambio de acción o algo cambia la escena, hay un corte en la música y casi
siempre empieza otro track. Como por ejemplo con están en la fiesta y hay
música diegética mientras la pelea y después tan pronto toca el suelo Flynn se
corta la música y empieza un nuevo CUE.
Casi siempre las
escenas melancólicas de padre e hijo usan el tema central, pero sólo con piano
y más lento.
Tratamiento elemento musicales:
La
banda sonoraacompaña de forma
ejemplar cada situación, aportando emoción, épica o simple
ambientación según se requiere.
Mantiene
un ritmo, tiene pautas de repeticiones e intervalos de sonidos fuertes y
débiles. Tiene distribución de sonidos y silencios de distinta duración.
El
ritmo siempre mantiene la melodía coherente de cada track, dotándolo de
identidad y significado propio en el entorno sonoro que se encuentre. Algunas
melodías tienen significados emocionales que en conjunto con el ritmo crean una
sensación y dotan de una personalidad a la música y a la imagen, y creando al
fin de cuentas la armonía.
TRON: LEGACY
pertenece al género de ciencia ficción. Aunque al género casi nunca se le
asocia un tipo especial de música porque casi todas usan música orquestal
convencional. Pero, en el caso del género de ciencia ficción y fantasía
está frecuentemente de la mano de la
música electrónica, obviamente no deja atrás la música orquestal como se puede
ver en TRON y en otras referencias de películas del mismo género como son
MATRIX y BLADE RUNNER.
Las corrientes de
música agrupadas cerca al género de ciencia ficción son: la música cósmica, el
tecno original y la menos frecuente el Rock espacial. También cabe resaltar que Hugo Gernsback, el
inventor del término "Ciencia-Ficción", trabajaba en electrónica
musical y llegó a diseñar un instrumento musical electrónico controlado por
teclado. En esta clase de música encontramos sonidos que no se encuentran en la
vida real, sonidos irreales, creando gran infinidad de estilos que aunque a
veces sean ya convencionales, siguen funcionando.
Hoy en día esta
combinación de música orquestal con música electrónica no solamente su usa ara el
género de ciencia ficción, sino también para algunas películas de terror, para
documentales y muchos temas más.
La
edición, el ritmo de la narración que nos muestra El colombian dream es una
nueva apuesta a utilizar otro tipo de tomas, secuencias, etc.. otro tipo de
respiración de la historia. Aljure deforma la realidad hasta llevarla a un
surrealismo, el surrealismo de las pepas, de lo psicodélico. El ritmo hacen
sentir al espectador en otro estado, en mi opinión es una experiencia visual
innovadora del “nuevo cine colombiano”.
Sin embargo, se centra mucho en afinar esa estética olvidándose un poco del
contenido, no es una nueva historia, es la más típica de todo el esquema
colombiano, sólo hubiera necesitado una mejor historia para ser una gran
película en toda su palabra.
El colombian Dream cuenta la historia de los gemelos, unos
jóvenes que se encuentran de vacaciones en un balneario cercano a Bogotá, que
en su afán de conseguir dinero fácil empiezan a vender pastillas alucinógenas
entre los clientes de "El colombian dream", el bar de su familia. Uno
de sus proveedores les da a guardar una gran cantidad de “mercancía” que ha
robado a sus socios, pero muere producto de una sobredosis después de la
entrega… Los traficantes empiezan a buscar desesperadamente sus pastillas
involucrando a los gemelos, su familia y amigos en una desenfrenada
persecución. (Filmaffinity)
El estilo de El colombian
dream destaca un leguaje fílmico burlesco (por ejemplo las caras se enfocan de
cerca con lente distorsionado; se incluyen, canciones, animaciones y otro tipo
de episodios burlescos como parte de la diégesis) para mostrar la realidad que
se presenta en Colombia, los problemas raciales y sexistas. La mezcla visual
muestra desde el principio el tipo de estética y técnica que se va a usar a lo
largo de la película, la narración en off está hecha por un hijo abortado que
examina las vidas de los colombianos y se vuelve testigo de la historia. Se puede
decir que tal vez la historia sea la
misma de siempre pero en vez de ser contada con un tono dramático que es como
casi siempre lo hacen se cuenta desde otra perspectiva, con un tono jocoso,
que sin embargo está interesada en reflexionar sobre una identidad nacional
actual.
La
película usa diversos tipos de representación audiovisual con varios tipos de
lentes (ojo de pescado y lentes de color que remiten a una estética
psicodélica), varias cámaras (incluida cámara de teléfono celular), tomas desde
todos los ángulos, decenas de tipos distintos de manejo de cámara (desde el
hand-held, a la cámara que se mueve como péndulo o que da vueltas), diálogos
con eco, recuadros explicativos, partes de musical, comercial de televisión y
videojuego. Se incluyen, también, otros tipos de técnicas como las pantallas
múltiples. La insistencia en la mezcla de estéticas visuales de El Colombian
Dream termina opacando la historia y haciendo que la puesta en escena ocupe el
lugar más importante de la película.
Está
estética nos recuerda mucho a la estética de la publicidad y del zapping
televisivos que siempre estamos interrumpiendo y hay diversos estilos. Por otra
partes se puede decir que el uso de esta estética hace alusión a la situación
histórica actual y nos pone a sentir como los personajes sienten y ven el
mundo, la Colombia caótica que hablan tanto los textos. El lenguaje del mercado
que se evidencia en esta película a través de la estética del zapping y
contenidos hegemónicos, representaciones problemáticas raciales y de género,
entre otras. Con esto podeos concluir que El colombian dream si apuesta por una
nueva estética y a pesar de que descuida un poco la historia, no deja de ser
interesante y de mostrar una realidad colombiana.
